Artishock

Artishock Artishock es una plataforma digital dedicada al arte contemporáneo, pensada desde y para Latino/Ibero/América.

Desde 2010, Artishock impulsa la difusión y la reflexión crítica sobre el arte contemporáneo latino/ibero/americano. Su archivo articula voces, prácticas y contextos diversos, proyectándolos en diálogo con el pensamiento contemporáneo global. Since 2010, Artishock has promoted the circulation and critical reflection on Latin American contemporary art. Its archive connects diverse voices, practices, and contexts, projecting them in dialogue with global contemporary thought.

15/05/2026

PING PONG es un ciclo de entrevistas en video con coleccionistas de Latino/Ibero/América que pone en juego la metáfora del rebote de ideas a través de preguntas y respuestas rápidas. Cada episodio propone un diálogo ágil con el/la entrevistado/a, intercalado con imágenes de obras de su colección. A partir de una serie de preguntas estándar, las respuestas —divergentes, complementarias o incluso contradictorias— permiten visibilizar las múltiples maneras de pensar, construir y practicar el coleccionismo contemporáneo.

La segunda temporada la dedicamos a Colombia, y es conducida por Gloria Cristina Samper, directora de la consultora GCS, desde donde asesora coleccionistas, empresas e instituciones en la estructuración y gestión estratégica de sus colecciones y el desarrollo de sus programas culturales.

En este quinto y último episodio de PING PONG Colombia nos acompaña Luis Javier Castro, empresario costarricense radicado en Colombia desde 2010, fundador de Alejandría, una empresa cuyo propósito es contribuir a la construcción de una sociedad educada, conectada y empoderada. Su colección mantiene una relación íntima con su desarrollo como empresario. Con un interés particular en prácticas latinoamericanas que exploran las tensiones sociales, políticas y culturales de la región, reúne obras de alto contenido conceptual y articula artistas de distintas latitudes.

Más allá de la conformación de su acervo, Castro ha asumido un rol activo como mecenas. A ello se suma el financiamiento de procesos de creación artística, proyectos editoriales y encuentros en los que promueve la discusión y el intercambio de ideas.

Si te interesa conocer más sobre el rol de estos agentes —activos y fundamentales— dentro del ecosistema artístico, suscríbete a nuestro canal de YouTube y activa las notificaciones.

Estrenamos un nuevo episodio cada dos semanas. Stay tuned y prepárate para el próximo rebote.

Link en la bio y aquí: https://youtu.be/tEufmAP2rXU

Edición:

En “Grafismos desterrados”, su primera exposición individual en Sorondo, la artista textil argentina Lucrecia Lionti (Tu...
15/05/2026

En “Grafismos desterrados”, su primera exposición individual en Sorondo, la artista textil argentina Lucrecia Lionti (Tucumán, 1985 – vive en Buenos Aires) lleva al límite la escritura que siempre ha habitado su práctica: “me he quedado sin palabras, ahora solo tejo garabatos”. Las piezas expuestas se sitúan en un umbral inestable entre escritura y dibujo. Sus grafismos evocan tanto la caligrafía infantil como el automatismo distraído del doodle, como si la escritura se hubiera desviado hacia el cuerpo y la mano recordara antes que la palabra.

Hasta el 12 de junio de 2026 en Sorondo Projects, Trafalgar, 32, Barcelona, España.

In “Graphisms in Exile”, her first solo exhibition at Sorondo, Argentine textile artist Lucrecia Lionti (Tucumán, 1985 – lives in Buenos Aires) pushes the boundaries of writing, which has always been central to her practice: “I’ve run out of words, now I’m only weaving scribbles.” The exhibited pieces exist on an unstable threshold between writing and drawing. Her graphisms evoke both children’s handwriting and the distracted automatism of doodling, as if writing had shifted toward the body and the hand remembers before the word.

Until June 12, 2026 at Sorondo Projects, Trafalgar, 32, Barcelona, Spain.

Su primera individual en kurimanzutto y su participación en la Bienal de Venecia 2026 revelan el núcleo de investigación...
15/05/2026

Su primera individual en kurimanzutto y su participación en la Bienal de Venecia 2026 revelan el núcleo de investigación sostenida de la artista colombiana Gala Porras-Kim: cómo los museos y sus protocolos de conservación transforman nuestra lectura de los objetos al separarlos de sus contextos materiales, rituales y espirituales originarios. Sus obras actúan como contra-dispositivos frente a las lógicas extractivistas de instituciones culturales que, bajo la promesa de preservación, también producen nuevas formas de disociación y desplazamiento.

“Gala Porras-Kim: Espacios del futuro replican los del pasado” se presenta en kurimanzutto, Ciudad de México, hasta el 13 de junio de 2026. Su muestra en el Pabellón de Artes Aplicadas de la Bienal de Venecia (Sale d’Armi A, Arsenale) estará abierta hasta el 22 de noviembre de 2026.

Her first solo exhibition at kurimanzutto and her participation in the 2026 Venice Biennale reveal the core of Colombian artist Gala Porras-Kim's ongoing research: how museums and their conservation protocols transform our understanding of objects by separating them from their original material, ritual, and spiritual contexts. Her works act as counter-devices against the extractive logic of cultural institutions that, under the guise of preservation, also produce new forms of dissociation and displacement.

“Gala Porras-Kim: Future spaces replicate earlier spaces” is on view at kurimanzutto, Mexico City, until June 13, 2026. Her exhibition at the Applied Arts Pavilion of the Venice Biennale (Sale d’Armi A, Arsenale) will be open until November 22, 2026.

15/05/2026

“Días Hondos” es un trayecto íntimo donde dejamos a José Wolff guiar nuestros pasos. Entramos por la atormentadora lucidez o la anestesia emocional; bajamos acompañados por el dibujo: persistente, terapéutico; y llegamos a un retorno simbólico, al vientre: allí donde los sentidos despiertan como en la primera conciencia del mundo.

“Días Hondos”, del artista guatemalteco José Wolff se presentó hasta el 22 de abril de 2026 en Casa Guardabarranco, Guatemala

“Deep Days” is an intimate journey in which we let José Wolff guide our steps. We enter through tormenting lucidity or emotional numbness; we descend accompanied by drawing—persistent, therapeutic—and arrive at a symbolic return, to the womb: the place where the senses awaken as in the first awareness of the world.

“Deep Days,” by Guatemalan artist José Wolff, was on view through April 22, 2026, at Casa Guardabarranco in Guatemala

Este libro de artista que profundiza en la obra cerámica y la investigación transdisciplinar de la artista chilena Franc...
15/05/2026

Este libro de artista que profundiza en la obra cerámica y la investigación transdisciplinar de la artista chilena Francisca Gili será lanzado al público el miércoles 20 de mayo en el Museo Chileno de Arte Precolombino. La publicación bilingüe, creada en conjunto con Editorial Casa en Blanco, fue financiada gracias al Fondo Nacional de Desarrollo Cultural y las Artes. Durante la presentación se distribuirán 100 ejemplares. Revisa nuestro Chasqui’do vía newsletter para más detalles y descargar la versión digital de la publicación.

This artist’s book, which explores the ceramic work and transdisciplinary research of Chilean artist Francisca Gili, will be launched on Wednesday, May 20, at the Chilean Museum of Pre-Columbian Art. The bilingual publication, created in collaboration with Editorial Casa en Blanco, was financed by the National Fund for Cultural Development and the Arts. One hundred copies will be distributed during the presentation. Check out our Chasqui’do newsletter for more details and to download the digital version of the publication.

Todas las fotos/All images: Nicolás Aguayo

Hasta hoy 10 de mayo el Museo Tamayo presentó la exposición “Wayamou: Lenguas de lo común”, un diálogo artístico y polít...
15/05/2026

Hasta hoy 10 de mayo el Museo Tamayo presentó la exposición “Wayamou: Lenguas de lo común”, un diálogo artístico y político de más de tres décadas entre Laura Anderson Barbata (México, 1958) y Sheroanawe Hakihiiwe (Sheroana, Venezuela, 1971).

Bajo la curaduría de Andrea Torreblanca y Abril Zales, la muestra propone una política de la escucha inspirada en el wayamou yanomami: un espacio de diálogo, reciprocidad y cuidado mutuo que desafía las narrativas tradicionales sobre los pueblos indígenas y abre caminos hacia otras formas de convivencia frente a la crisis ecológica y social.

Until today, May 10, the Tamayo Museum presented the exhibition “Wayamou: Languages of the common”, an artistic and political dialogue of more than three decades between Laura Anderson Barbata (Mexico, 1958) and Sheroanawe Hakihiiwe (Sheroana, Venezuela, 1971).

Curated by Andrea Torreblanca and Abril Zales, the exhibition proposes a politics of listening inspired by the Yanomami wayamou: a space for dialogue, reciprocity, and mutual care that challenges traditional narratives about Indigenous peoples and opens up new paths toward alternative ways of living together in the face of the ecological and social crisis.

Todas las imágenes/All images: Gerardo Landa y Eduardo López (GLR Estudio). Cortesía: Museo Tamayo

En alianza con Independent Curators International (ICI), compartimos las reflexiones de cuatro participantes del Intensi...
09/05/2026

En alianza con Independent Curators International (ICI), compartimos las reflexiones de cuatro participantes del Intensivo Curatorial realizado en Montevideo, una instancia de formación e intercambio que convocó a curadores emergentes de distintos países de América Latina y Estados Unidos en torno a prácticas curatoriales, trabajo colectivo e infraestructuras culturales.

In partnership with Independent Curators International (ICI), we share the insights of four participants in the Curatorial Intensive held in Montevideo, a learning and exchange program that brought together emerging curators from various countries in Latin America and the United States to discuss curatorial practices, collective work, and cultural infrastructure.

En “El volcán, la ballena y otros mundos”, la artista chilena Catalina Bauer transforma la Sala Capilla del Centro Cultu...
09/05/2026

En “El volcán, la ballena y otros mundos”, la artista chilena Catalina Bauer transforma la Sala Capilla del Centro Cultural Montecarmelo en un espacio de imaginación y extrañeza. Objetos domésticos, plantas, juegos infantiles, obras realizadas in situ, trabajos anteriores y hallazgos cotidianos conviven en torno a una monumental ballena instalada en el centro del espacio.

In “The Volcano, the Whale, and Other Worlds,” visual artist Catalina Bauer transforms the Capilla Gallery at the Montecarmelo Cultural Center into a space of imagination and wonder. Household objects, plants, children’s toys, site-specific works, previous pieces, and everyday finds coexist around a monumental whale installed at the center of the space.

🐳CIERRE DE EXPOSICIÓN
Performance y dramaturgia de Carla Romero
Dirigida por Amelia Ibáñez

Sábado 9 de mayo a las 18:30 hrs
Sala Capilla del Centro Cultural Montecarmelo, Bellavista 0594, Providencia, Santiago de Chile

Fotos

El pasado 18 de abril se desplegó en distintos espacios abiertos de la Casa del Lago UNAM, en pleno Bosque de Chapultepe...
09/05/2026

El pasado 18 de abril se desplegó en distintos espacios abiertos de la Casa del Lago UNAM, en pleno Bosque de Chapultepec, el ciclo de performance "Atravesar el lago", curado por Adonay Bermúdez. En él, las artistas Marilyn Boror Bor, Seba Calfuqueo y Julieth Morales realizaron una serie de acciones que desestabilizan los marcos de conocimiento dominantes y confrontan las narrativas impuestas por la modernidad colonial.

On April 18, the performance series “Atravesar el lago” (Crossing the Lake), curated by Adonay Bermúdez, took place in various open spaces at the UNAM Casa del Lago, located in the heart of Chapultepec Forest. In it, artists Marilyn Boror Bor, Seba Calfuqueo, and Julieth Morales carried out a series of actions that destabilize dominant frameworks of knowledge and challenge the narratives imposed by colonial modernity.

Un recorrido visual por las obras de los artistas latinoamericanos que participan en “In Minor Keys”, la muestra central...
07/05/2026

Un recorrido visual por las obras de los artistas latinoamericanos que participan en “In Minor Keys”, la muestra central de la 61ª Bienal de Venecia, quienes trabajan en torno a memoria, territorio, diáspora y formas de resistencia contemporánea. Con trabajos de Alvaro Barrington, Carolina Caycedo, Sofía Gallisá Muriente, Leonilda González, Ayrson Heráclito, Alfredo Jaar, Natalia Lassalle-Morillo (en colaboración con Gloria Morillo), Lugar a Dudas, Daniel Lind-Ramos, María Magdalena Campos-Pons & Kamaal Malak, Guadalupe Maravilla, Eustaquio Neves, Celia Vásquez Yui y Gala Porras-Kim.

A visual tour of the works by the Latin American artists participating in “In Minor Keys,” the main exhibition of the 61st Venice Biennale, who explore themes of memory, territory, diaspora, and forms of contemporary resistance. Featuring works by Alvaro Barrington, Carolina Caycedo, Sofía Gallisá Muriente, Leonilda González, Ayrson Heráclito, Alfredo Jaar, Natalia Lassalle-Morillo (in collaboration with Gloria Morillo), Lugar a Dudas, Daniel Lind-Ramos, María Magdalena Campos-Pons & Kamaal Malak, Guadalupe Maravilla, Eustaquio Neves, Celia Vásquez Yui, and Gala Porras-Kim.

Imagen 1: Alvaro Barrington (Caracas, Venezuela, 1983. Vive en Londres, Reino Unido), Labor Day Parade ‘91. Cortesía: Sam Talbot

Otras imágenes: Cortesía de los fotógrafos de la Bienal: Luca Zambelli Bais, Marco Zorzanello, Andrea Avezzù. Grazie! 😍

La inclusión de Rusia e Israel, la renuncia colectiva del jurado internacional y la cancelación de los Leones de Oro sit...
04/05/2026

La inclusión de Rusia e Israel, la renuncia colectiva del jurado internacional y la cancelación de los Leones de Oro sitúan a la Bienal de Venecia ante una crisis que trasciende lo geopolítico: una fractura en sus marcos de legitimación. Un análisis sobre la tensión entre autonomía artística, responsabilidad cultural y la herencia interrumpida de Koyo Kouoh.

The inclusion of Russia and Israel, the collective resignation of the international jury, and the cancellation of the Golden Lions have plunged the Venice Biennale into a crisis that goes beyond geopolitics: a fracture in its foundations of legitimacy. An analysis of the tension between artistic autonomy, cultural responsibility, and the interrupted legacy of Koyo Kouoh.

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